5 razones por las que estudiar historia del arte

1. Te aportará cultura general:estudiar la Historia del Arte te permite conocer la historia de las más importantes manifestaciones artísticas de cada momento. Entenderás cómo ha expresado la Humanidad sus anhelos y cómo ha materializado los más complejos y abstractos conceptos.

2. Aprenderás a observar: vivimos en una sociedad que no sabe observar y que apenas repara en los detalles porque la realidad sucede ante nuestros ojos a una velocidad frenética. La Historia del Arte te ayudará a observar la realidad desde otra perspectiva, sabiendo cómo interpretar la simbología codificada en las ciudades, en sus tramas urbanas, en sus esculturas, pinturas y arquitectura.

3. Conocerás el origen: la Historia del Arte como estudio de las imágenes y obras del pasado nos permite especular sobre cuál podría ser nuestro origen. Desde las pinturas rupestres prehistóricas de Lascaux o Altamira y sus bellas representaciones de bisontes hasta el arte de Mesopotamia y Egipto con sus zigurats y sus pirámides tenemos suficiente material para sentirnos abrumados por los enigmas que encierran.

4. Será más fácil entender la Historia: si una imagen vale más que mil palabras, entonces estudiar Historia del Arte debería ser más efectivo que estudiar la Historia sin más. Vivimos en una cultura visual, por lo que sería muy recomendable que en los colegios aprendieran la Historia a través de sus imágenes y no tanto a través de sus textos. Si queremos ponerle cara a Napoleón Bonaparte o al emperador Carlos V tenemos recursos para hacerlo. Si queremos estudiar el mapa geopolítico europeo durante el siglo XVII, por ejemplo, no tenemos más que recurrir a Velázquez y si queremos entender el concepto de belleza durante el periodo del renacimiento en Italia observemos a Botticelli o a Rafael, por citar sólo a unos pocos artistas.

5. Aprenderás a disfrutar de los museos y los monumentos: ¿Cuántas veces has ido a un museo y no has entendido nada? ¿Te suena familiar esta situación? Todos hemos pasado por ello. Es una verdadera lástima que tantas personas visiten los museos sin entender cuál es el significado de las obras de arte que allí se encuentran. Si quieres cambiar la situación, ya sabes lo que debes hacer: estudiar la Historia del Arte.

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Loving Vincent

Sinopsis

Año 1891. Un año después de la muerte de Vincent van Gogh, el cartero Roulin le pide a su hijo Armand que entregue personalmente la última carta de Van Gogh a su hermano, Theo, después de que sus intentos previos de enviársela hubieran fallado. A pesar de no haber apreciado a Van Gogh y recordar el incidente cuando el fallecido se mutiló su oreja y se la dio a una prostituta, Armand acepta con disgusto debido al afecto de su padre por el pintor...

Primer largometraje compuesto por pinturas animadas, "Loving Vincent" es un film homenaje a Van Gogh en el que cada fotograma es un cuadro pintado sobre óleo, tal y como el propio Vincent lo hubiera pintado. Sus 80 minutos de duración están compuestos por 56.800 fotogramas que han sido pintados, uno a uno, por una gran cantidad de excelentes pintores a lo largo de varios años, todos inspirándose en el estilo y arte magistral de Van Gogh. (FILMAFFINITY)

Loving Vincent rápidamente marca una pauta en el mundo de la animación pues se trata de la primera película en usar la pintura sobre oleo como fotograma para reproducir imágenes en movimiento, así pues son aproximadamente 56,800 fotogramas que han sido pintados conservando la esencia y estilo artístico que formarían la carrera de Vincent Van Gogh, por este motivo Loving Vincent es una experiencia visual única que mezcla la pintura y el cine para sentar un nuevo precedente en la técnica de la animación, y el viaje es sin duda bello y placentero.

Pero las cualidades de Loving Vincent no se terminan en su aspecto estético (que no deja de ser muy aplaudible) sino que también se desmarca como un biopic trascendente acerca del ilustre pintor, el cual poco tiene que ver con la interesante “Lust for life”; aquel retrato de Van Gogh realizado por Vincente Minnelli y protagonizado por Kirk Douglas, pues aquí la perspectiva es totalmente distinta, siendo los testimonios de las personas que vivían a su alrededor los que trazan el rompecabezas acerca del artista y su misteriosa muerte, haciendo que el trazo sea más complejo y detallista, conjugado con una narrativa que tiene como principal arma a un flashback que se evoca en pantalla en un hermoso blanco y negro para hacer contraste entre los tiempos narrativos.

La directora Dorota Kobiela no oculta su cariño por el pintor, pues Loving Vincent es una doble carta de amor a Van Gogh, la primera es la que homenajea su trabajo usando la misma técnica que en sus pinturas mientras que en la segunda ya en el guion reivindica una figura controvertida dejándonos en el plato tanto al artista como al hombre, el genio detrás de esas obras maestras, como al presunto maniático que atento contra su vida, y esta doble carta de verdad que emociona por ambos lados.

Humana, poética, sincera, nostálgica, Loving Vincent es claramente el filme animado del año, una joyita que juega con la imagen como con la narrativa para convertirse en un biopic diferente y trascendente.

Fuente de información 

TRAILER

El david

COMENTARIO DE IMÁGENES: EL DAVID DE MIGUEL ÁNGEL (RENACIMIENTO)

“Ahora comprendemos mejor el porqué un arte preocupado principalmente por la figura humana deba atender ante todo al desnudo, así como la razón de que éste haya constituido el problema más apasionante del arte clásico de todas las épocas. No sólo es el mejor vehículo transmisor de todo aquello que el arte corrobora y acreciente de manera inmediata el sentido de la vida, sino que es también en sí mismo el objeto más significante del mundo de los hombres. El primero en comprender plenamente, desde la gran época de la escultura griega, la identidad del desnudo con el gran arte figurativo, fue Miguel Ángel. Antes de él, había sido estudiado con miras científicas, como un recurso para plasmar la figura envuelta en ropajes. Miguel Ángel vio que entrañaba un fin en sí mismo e hizo del desnudo la suprema finalidad de su arte. Para él, arte y desnudo eran sinónimos. En ello reside el secreto de sus triunfos y sus fracasos.”

B. Berenson: Los pintores italianos del Renacimiento, Barcelona, 1954, pág. 85.

I. CATALOGACIÓN DE LA OBRA

-Esta lámina nos muestra la deslumbrante escultura del David de Miguel Ángel. El AUTOR es el florentinoMIGUEL ÁNGEL BUONARROTI (1475-1564). Renacentista del Cinquecento, este polifacético artista tuvo a la escultura como su arte predilecta aunque también destacó como pintor, arquitecto y poeta. En su tiempo alcanzó un gran prestigio y sus obras, incluso las inacabadas, fueron durante siglos fuente de inspiración para los artistas. Nacido en el pueblo toscano de Caprese en 1475, procedente de una familia culta de noble abolengo, se formó en Florencia. Desde muy joven quiso ser artista. De temperamento irascible, poético y lírico, sus luchas internas se reflejan en sus obras que están llenas de fuerza y dramatismo. Su precoz habilidad para dibujar le llevó a los trece años al taller de Ghirlandaio y a “la academia del jardín” de los Medici para dibujar los mármoles y bronces clásicos reunidos por Lorenzo el Magnífico, que le aceptó y protegió como un ahijado. Lorenzo de Medici fue su mecenas en sus primeros años , y en Roma lo sería el Papa Julio II para quien realizaría las pinturas de la capilla Sixtina del Vaticano. Su producción artística engloba las más diversas artes desde el diseño arquitectónico y el urbanismo –cúpula de San Pedro del Vaticano, plaza del Capitolio de Roma- hasta la pintura –capilla Sixtina -la poesía, o la escultura, en la que descollará tanto en obras de temática profana como religiosa. 
-Como escultor, no está sujeto a un único estilo: bascula entre un clasicismo un tanto heterodoxo hasta el manierismo anticlásico que preludia el barroco. Así podemos destacar en su etapa de formación el relieve laVirgen de la Escalera, que muestra influencias de Donatello; de su etapa romana de fines del siglo XV e inicios del XVI descuella su clasicista Piedad que hemos de poner en relación con su David, realizado poco después y finalmente, en su etapa de madurez, varios proyectos como el Moisés, las tumbas de Giuliano y Lorenzo de Medici o sus últimas versiones del tema de la Piedad, en especial la Rondanini, antecedente del expresionismo del arte de vanguardia del siglo XX.

-Desde el siglo XIX (1873) esta escultura se conserva en el MUSEO Galería de la Academia de Florencia (Italia) aunque durante siglos, estuvo expuesto en la plaza de la Signoria de esta ciudad, justo enfrente del palacio Vecchio, edificio que albergaba el poder político de la ciudad. Hoy en esta plaza se alza una réplica de esta célebre escultura.

-CRONOLÓGICAMENTE esta estatua está fechada en los años 1502-1504 y pertenece por tanto al Cinquecento. Estilísticamente es una obra plenamente renacentista. 

-Por lo que se refiere a los COMITENTES de esta escultura, fueron las autoridades de la república de Florencia, ligados a la catedral de Florencia y al poderoso gremio del Arte de la Lana. En realidad, este proyecto artístico formaba parte de uno mucho más complejo que consistía en la elaboración de 12 esculturas de personajes del Antiguo Testamento sobre los contrafuertes exteriores del ábside de la catedral Santa María de las Flores. Para realizar la estatua de una de los personajes, el rey David, las autoridades dispusieron un gigantesco bloque de mármol de Carrara. En 1464 le encargaron al escultor Agostino di Duccio su elaboración, pero ante la enorme dificultad de esta empresa renunció, como también renunciaría  otro escultor, Antonio Rossellino. Finalmente, las autoridades florentinas encargaron en 1501 esta escultura a Miguel Ángel que asumió el reto y en tan sólo dos años realizó el David, sin duda una de sus obras maestras. Se expuso por primera vez al público el 8 de septiembre de 1504.

-Realizada utilizando un solo bloque MARMÓREO, largo, gigantesco y estrecho, esta escultura de BULTO REDONDO mide más de 5 metros y pesa 5.5 toneladas. Cuando se realizó la obra contenía aplicaciones deoro, hoy perdidas, en algunas partes de la escultura como la base de la misma.

-El TEMA que muestra esta escultura es de carácter ¿religioso?. En principio así parece, ya que representa a una figura histórica y mítica extraída del Antiguo Testamento, al heroico rey de Israel, David. Este personaje fue pastor en su juventud y tras vencer a su enemigo Goliat, fue proclamado rey del pueblo de Israel. Fue un valeroso guerrero, músico y poeta. En el cristianismo es venerado como un santo y de su estirpe desciende, según el evangelio de San Mateo, San José, padre putativo de Jesús. 

-Los ANTECEDENTES de este tema en el arte son abundantes. Durante la Edad Media, iconográficamentea David se le representa como un rey con su corona, tocando el arpa o la lira. Así lo encontramos en pinturas, ilustraciones y esculturas (relieves). En el Renacimiento, en cambio, los escultores como Donatello oVerrochio lo esculpen como un bello adolescente, de anatomía frágil y serena expresividad. Presentan ya como símbolos arquetípicos del rey David, la espada y la cabeza del gigante Goliat. Por su parte,Miguel Ángel innova absolutamente a la hora de tratar a este mítico personaje. Lo representa como un héroe, un joven atlético de inspiración clásica, totalmente desnudo y sin más atributo identificativo de su condición de rey David que su mítica honda. De hecho, este escultor elige el momento en el que se está preparando para lanzar su arma contra su enemigo. Con Miguel Ángel, el rey David, bajo el influjo neoplatónico, trasciende su significación religiosa, se convirtió más allá de su lectura bíblica, en un emblema del poder de la inteligencia sobre la fuerza bruta y en un símbolo de afirmación de la república florentina. Es una obra de transcendencia política. Las propias palabras de Miguel Ángel al acabar la escultura confirmaron este simbolismo: “Como David ha defendido a su pueblo, así quien gobierna Florencia debe justamente defenderla y gobernarla con justicia“. Recordemos que esta escultura se realiza poco después de haber sido expulsados los Medici del gobierno de la ciudad y con el temor a su vuelta y al expansionismo de Roma y de los Estados Pontificios que preconizaba el Papa Borgia Alejandro VI. Por lo demás, hay que recordar que Miguel Ángel realizó a inicios del siglo XVI “otro” David, hoy perdido, llamado el David de Rohan, realizado en bronce, y del cual se conserva un dibujo en el Louvre. También lo esculpió como símbolo de la república florentina.

-Aparte de los antecedentes quattrocentistas que encontramos en esta escultura, hay que destacar el influjo y la fuente de inspiración esencial que fue para Miguel Ángel la estatuaria clásica , como por ejemplo, elApolo de Belvedere, una escultura helenística conocida por una copia romana. 
-El ideal grecorromano de belleza y perfección anatómica, se hacen bien presentes en el David de Miguel Ángel. De hecho, el tratamiento que da a esta figura desde el punto de vista formal y técnico es el propio de una obra mitológica entendida en un sentido clásico. Pero ¡non troppo! Miguel Ángel es un clásico “heterodoxo”, que se aleja de las proporciones matemáticas y opta por sobredimensionar la cabeza y una de las manos. El canon, de enormes proporciones, propicia la monumentalidad, el gigantismo de esta obra, un rasgo habitual en sus esculturas. Un intenso dramatismo, la energía concentrada amenazadora, la denominada terribilità tan característica de sus obras, la encontramos ya en el David. El detallismo en el estudio anatómico es impresionante ya que capta con todo detalle las venas, los tendones, los músculos., incluso los huesos. La presencia de la honda sobre el hombro izquierdo mientras la otra mano desaparece por la espalda en busca del otro extremo del arma, tensa todo el cuerpo. La posición de sus manos y de su cuerpo nos revela que era zurdo. Huye de la frontalidad, y muestra un ligero contraposto, con el cuerpo dispuesto en zig-zag. La pierna derecha se apoya sobre un pequeño tronco de árbol, mientras flexiona la otra pierna, más tensa. El rostro es muy expresivo, con el ceño fruncido y la cabeza girada, buscando tal vez a Goliat. La tensión se refleja también en los labios mordidos y en los ojos muy abiertas, con una mirada desafiante, retadora y altiva. Esta tensión compositiva y expresiva rompe el ideal de armonía y equilibrio, como se aprecia hasta en el cabello, con volumen y juego de luces y sombras, revuelto y maravillosamente trabajado a trépano.

-La FUNCIÓN o FINALIDAD en un principio era religiosa y decorativa, puesto que en el objetivo era situar esta escultura en el exterior de la catedral de Santa María de las Flores junto con otras imágenes de personajes representativos del Antiguo Testamento. Pero una vez realizada la obra, los comitentes consideraron que esa ubicación no era adecuada y nombraron una comisión ciudadana en la que se encontraban artistas tan prestigiosos como Botticelli o Leonardo da Vinci que decidieron que el lugar idóneo era la Loggia dei Lanzi, una zona porticada en la propia plaza de la Signoria. Miguel Ángel se opuso y al final triunfó su criterio: su David se alzaría, altivo y victorioso, como un nuevo Hércules sacro y pagano a un tiempo, en el corazón de la ciudad, en la plaza de la Signoria, frente al palacio Vecchio. Finalmente, lo que iba a ser una obra religiosa, se acabó convirtiendo por mor de los acontecimientos y la voluntad del artista, en todo un símbolo político a mayor gloria de Florencia frente a sus enemigos. En su ubicación original, la mirada implacable de David se dirigía directamente a Roma como nuevo Goliat. En cambio, en su nueva lugar en la Accademia, mira hacia una columna.

-Por lo que se refiere a los CONSECUENTES de esta obra, hemos de ponerla en relación con otras esculturas del Miguel Ángel,en concreto con su proyecto inacabado más ambicioso: el sepulcro del papa Julio II. De este proyecto destaca el Moisés, obra capital de fuerza contenida, que hemos de poner en relación con el David. Asimismo, los sepulcros de Giuliano y Lorenzo de la poderosa familia Medici en la iglesia de San Lorenzo de Florencia, realizados entre los años 1520-34. En este conjunto escultórico destacan las figuras alegóricas del Día y la Noche, el Crepúsculo y la Aurora, entendidas como robustos cuerpos desnudos. La tensión, la expresividad y el estudio anatómico anticlásico nos señalan el carácter manierista de estas estatuas. Tampoco debemos olvidar en su producción escultórica la clasicista Piedad del Vaticano (1495) y otras versiones, mucho más atormentadas de este tema, como la Piedad de la catedral de Florencia o laRondanini, apenas esbozada.

-Por otro lado, la magnitud del genio de Miguel Ángel ensombrece al resto de los escultores coetáneos de la época aunque hay autores muy relevantes, que muestran influencia miguelangelescas como los manieristasBaccio Bandinelli- autor de un Hércules y Caco–Ammanati y su fuente de Neptuno-, Benvenuto Cellini, orfebre extraordinario y maravilloso fundidor y Juan de Bolonia, portentoso artista que tuvo un enorme éxito europeo.

Sobre Benvenuto Cellini conviene destacar que su Perseo degollando a Medusa (1554) que se alza en la Loggia dei Lanzi de la plaza de la Signoria de Florencia es el contrapunto al David, puesto que simboliza la vuelta al poder de los Medici en la persona del duque Cosme I -mecenas de Cellini- y su triunfo sobre sus oponentes republicanos.

-Los escultores manieristas españoles también acusan la influencia de Miguel Ángel: Alonso Berruguete –quien se educó en Italia y conoció personalmente a Miguel Angel- o Juan de Juni.

-En el siglo XVII, ligado al estilo barroco, la influencia de Miguel Ángel es omnipresente. Se hace especialmente evidente en las esculturas del máximo escultor de esta etapa: el napolitano Gian Lorenzo Bernini. La huella miguelangelesca con la pasión por la expresividad, dinamismo y cierta terribilità contenida se aprecian en sus grandiosos David, Apolo y Dafne o el rapto de las Sabinas todas ellas conservadas en el imprescindible museo romano Galería Borghese.

-Y entre muchísimos más autores que esculpen bajo la influencia de Miguel Ángel, no podemos dejar de citar al gran escultor francés “impresionista”, Auguste Rodin, que unirá a la influencia de Miguel Ángel, la de Bernini en su grandiosa producción (el pensador, el beso, etc.).

-La SIGNIFICACIÓN HISTÓRICA del David de Miguel Ángel viene dada, en primer lugar, porque es una obra maestra, emblema del Renacimiento y porque es un símbolo de Italia en general y de Florencia en particular.

-Sobre el ESTADO DE CONSERVACIÓN de esta obra hay que señalar que fue restaurada en el año 2004 ya que su estado era muy delicado. Hemos de recordar que esta escultura ha sufrido durante siglos las inclemencias del tiempo, al estar situada al aire libre, además de todo tipo de avatares: el efecto de un rayo sobre la base, la rotura de uno de los brazos durante una revuelta, y los efectos dañinos de una restauración del siglo XIX realizada con ácido clorhídrico que destruyó la capa de cera que lo protegía.

-En CONCLUSIÓN, esta obra maestra de Miguel Ángel ha pasado a la posteridad como una de las esculturas más perfectas de todos los tiempos, “superior a todas las estatuas, modernas o antiguas” como ya vislumbrara Vasari. Finalmente, hemos de recordar que ningún artista había sido celebrado en vida tanto como él hasta el punto de convertirse en un mito de artista atormentado y genial, calificado ya en vida como “el Divino”.

IMÁGENES

Detalles del David de Miguel Ángel, Museo Galería de la Academia, Florencia

Réplica del David en la plaza de la Signoria de Florencia, situada enfrente del palacio Vecchio, sede del poder civil de la ciudad. En esta plaza estuvo expuesta durante siglos el verdadero David de Miguel Ángel, que hoy se conserva en el museo Galería de la Academia de Florencia.

 

La iconografía del Rey David en la Edad Media: suele aparecer tocando la lira. Ejemplos: El Rey David de la Catedral de León, el rey David de la puerta de las Platerías de la catedral de Santiago de Compostela y un ejemplo de una ilustración medieval. 

 

Antecedentes: la escultura grecorromana. Un ejemplo: el Apolo de Belvedere, c. 340 a de C, copia romana de original helenístico. Museos Vaticanos.

Dos antecedentes quattrocentistas: el David de Donatello (en sus dos versiones, una en bronce y otra en mármol, ambas en el Museo Bargello de Florencia)y el David de Verrochio para el que se cree sirvió de modelo un jovencísimo Leonardo da Vinci 

Otras obras de Miguel Ángel: Moisés, Esclavo, la Aurora

 

El otro David de Miguel Ángel: el David de Rohan, llamado así por el nombre del comitente, un mariscal francés. Este dibujo preparatorio se conserva en el Museo del Louvre, 1502-8. La escultura de bronce, la única de la que tenemos noticia que realizó Miguel Ángel, está hoy perdida.

Consecuentes: un contrapunto al David de Miguel Ángel: el Perseo de Benvenuto Cellini

El David de Bernini, Galería Borghese, Roma (arte barroco, siglo XVII)

Dos ejemplos de la influencia de Miguel Ángel en la escultura del siglo XIX: El pensador y el beso deAuguste Rodin

El David de Miguel Ángel se ha convertido en un icono de Italia –equivalente al Coliseo por ejemplo-, de Florencia –en particular- y una fuente de inspiración para el marketing y la publicidad de todo tipo de productos. Algunos ejemplos:

(FI : http://artpower-ana.blogspot.com/2012/03/el-david-de-miguel-angel.html)

Todos quieren arte, pero nadie lo valora.

“El arte y el amor son lo mismo: es el proceso de verse en cosas que no son ustedes.”

Chuck Klosterman

La sensibilidad por el arte no es algo de lo que todo el mundo pueda presumir , pero qué pena cuando la gente se pasa de ignorante .

 Las personas tiene mucha cara y piden dibujos a ilustradores sin pensar en pagarles ni un duro , "pero si es un dibujo de nada, que más te da" , nadie piensa en remunerar el trabajo de un músico porque ni se les ocurre comprarse el disco, por no hablar de la gente que se queja de pagar 20-30€ por un concierto . ¿ Pagar por el cine ? Nah , mejor me espero a que la cuelguen en internet.

Todo esto crea una esfera de menosprecio a cualquier manera de expresión artística y es así que los artistas lo manifiestan cada vez más .

Gran parte del problema, en mi opinión, la tiene el sistema educativo. Es por ello que muchos jóvenes se avergüenzan de sus capacidades artísticas, o en los trabajos en grupo no aportan ideas ni son prácticos ... Para respaldarlo aportaré un extracto de un artículo  de La Vanguardia titulado : ¿ La escuela mata la creatividad ?

 “Si un maestro pide a un niño que dibuje un paisaje y el crío es muy original y pinta todo de negro, el profesor le rectifica; el profesor no está preparado para ser sorprendido y, habitualmente, no le gusta ser sorprendido; el profesor quiere que las respuestas en los ejercicios y en los exámenes se ajusten a lo que dice el libro o él ha explicado, y eso limita el potencial de los niños, los hace más torpes y menos inteligentes porque utilizan poco la imaginación, no se les deja ser creativos, y así pasa que, cuando salen de primaria, y aún más de secundaria, son menos creativos que cuando llegaron a la escuela”

Sir Ken Robinson, uno de los mayores expertos internacionales en el desarrollo de la creatividad y la innovación tiene muy claro por qué dejamos de ser creativos al crecer: “Los niños arriesgan, improvisan, no tienen miedo a equivocarse; y no es que equivocarse sea igual a creatividad, pero sí está claro que no puedes innovar si no estás dispuesto a equivocarte, y los adultos penalizamos el error, lo estigmatizamos en la escuela y en la educación, y así es como los niños se alejan de sus capacidades creativas”. 

No es el único que lo cree. Cada día son más las voces que advierten que el sistema educativo, la escuela, mata la creatividad. Entre ellas la de Petra María Pérez, catedrática de Teoría de la Educación y miembro del Instituto de Creatividad e Innovaciones Educativas de la Universidad de Valencia. “Hay numerosas investigaciones que señalan que la creatividad de los niños decrece con los años de permanencia en el sistema educativo, de forma que la curiosidad y la búsqueda creativa da paso, con el tiempo, a comportamientos más rígidos, convergentes e inflexibles”, apunta. Y lo justifica: “En la escuela se enseña al niño a amoldarse a los patrones establecidos, a adoptar un pensamiento convergente en lugar de divergente; al profesor le interesa que los niños contesten lo que se espera acerca de determinados contenidos y que los estudiantes no se salgan de las rutas trazadas”.

En ello ahonda Fernando Alberca, profesor, formador de maestros y autor, entre otros libros, de Todos los niños pueden ser Einstein (Toro mítico). “Si un maestro pide a un niño que dibuje un paisaje y el crío es muy original y pinta todo de negro, el profesor le rectifica; el profesor no está preparado para ser sorprendido y, habitualmente, no le gusta ser sorprendido; el profesor quiere que las respuestas en los ejercicios y en los exámenes se ajusten a lo que dice el libro o él ha explicado, y eso limita el potencial de los niños, los hace más torpes y menos inteligentes porque utilizan poco la imaginación, no se les deja ser creativos, y así pasa que, cuando salen de primaria, y aún más de secundaria, son menos creativos que cuando llegaron a la escuela”, relata.

Petra M. Pérez recuerda que el éxito escolar significa sacar buenas notas, y quienes las sacan son quienes se adaptan mucho al sistema educativo, quienes asimilan y repiten lo que les cuenta el profesor y siguen los patrones establecidos, arriesgando e innovando lo mínimo para no cometer errores ni hacer el ridículo. “Luego, en el ámbito profesional, se pide gente creativa, innovadora, emprendedora, que piense, que tenga ideas originales, que busque soluciones propias; y los alumnos de buenas notas no saben hacerlo porque, en la escuela, que es donde ellos eran buenos, les daban la solución que seguir y lo que primaba era hacer las cosas cómo les decían, de una única manera, sin pensar diferente”, alerta. [...]

El Vittoriano , una auténtica pasada

Oh Roma! mi país! ciudad del alma! – Lord Byron

 El monumento nacional a Víctor Manuel II (en italiano: Monumento Nazionale a Vittorio Emanuele II), también conocido como Altare della Patria (Altar de la Patria), o simplemente Il Vittoriano, es un enorme monumento conmemorativo de la ciudad de Roma, Italia, realizado en honor del primer rey de la Italia unificada, Víctor Manuel II.

Se sitúa entre la Piazza Venezia (Plaza de Venecia) y la Colina Capitolina. Fue diseñado por Giuseppe Sacconi en 1885, e inaugurado en 1911, pero los trabajos terminaron mucho después, entre 1924 y 1927.

El monumento está construido con mármol blanco extraído de las canteras de Botticino (cerca de la ciudad de Brescia), mostrado por ejemplo en las majestuosas escaleras o las columnas corintias. También dispone de varias fuentes y esculturas del propio rey Víctor Manuel y dos estatuas de la diosa Victoria con sendas cuadrigas. La estructura mide 135 metros de ancho y 70 metros de altura (incluyendo la cuadriga y las alas de las diosas llega a 81 metros).

En la base del monumento se encuentra el museo de la unificación de Italia.

En el monumento a Víctor Manuel II se encuentra también una tumba al soldado desconocido con una «llama eterna» construida tras la Primera Guerra Mundial, conforme a la idea del general Giulio Douhet. El cuerpo del soldado desconocido fue escogido por Maria Bergamas, en el pueblo austro-húngaro de Gradisca d'Isonzo, de un joven desertor del ejército austro-húngaro que pasó al Regio Esercito (ejército italiano) y resultó desaparecido en combate durante la Primera Guerra Mundial. Fue elegido entre otros 11 cuerpos de soldados o marineros sin identificar de las fuerzas armadas del Reino de Italia (1861-1946). El cuerpo fue transportado desde Aquilea (donde se realizó la ceremonia con Bergamas) hasta Roma, entre octubre y noviembre de 1921.

El monumento ha sufrido críticas desde que su construcción supuso la destrucción de un gran área de la Colina Capitolina, una de las colinas históricas de Roma, y donde se encontraba un barrio medieval. Para algunos, dicho monumento era demasiado grande y pomposo.¹​²​ En días soleados, este edificio puede llegar a ser muy brillante, pudiendo incluso ser molesto para la vista si se está cerca o dentro del recinto, dado su impoluto color blanco y su entorno urbano más oscuro. Al ser una construcción tan destacada en el panorama de Roma, ha recibido otras numerosas denominaciones. Desde su origen, los romanos lo llamaban la Zuppa Inglese (una especie de pastel), la tarta de bodas o la falsa boca. Cuando los soldados aliados llegaron a Roma en 1944 lo llamaron también la máquina de escribir, apodo que luego adoptarían los propios italianos. Ello se debe a que la fachada con las columnas no es recta, sino que adopta cierta forma en arco.

A pesar de todas las críticas que ha recibido a lo largo de su historia, el monumento a Víctor Manuel II atrae cada año a un gran número de visitantes. La apertura como foro público y lugar panorámico sobre el centro de Roma fue acogido por el antiguo presidente de la República Italiana, Carlo Azeglio Ciampi, permitiendo a la gente acercarse a dicha construcción y dándole así una mejor reputación.

https://es.wikipedia.org/wiki/Monumento_a_V%C3%ADctor_Manuel_II

Laocoonte y sus hijos

“Todos los niños nacen artistas. El problema es cómo seguir siendo artistas al crecer.”

Pablo Picasso

Al principio había escogido economía pero durante el anterior verano , esa decisión me estuvo ronroneando cada semana . Historia del arte siempre me había llamado la atención y decidí cambiarme a principio de curso y probar . Sin duda no me arrepiento , aunque si pudiera también daría economía . La verdad es que creo que tengo un problema , porque si pudiera daría cualquier asignatura . 

Me siento muy agusto en clase y sin duda es un tema que estoy descubriendo que me interesa y que , sobretodo , disfruto . 

LAOCOONTE Y SUS HIJOS 

Por ahora , se ha convertido en mi escultura favorita sin duda . ¿ Lo cómico ? He estado en el museo Vaticano el año pasado , donde ésta se encuentra , y no lo recuerdo . Una pena .

Mitología :

Laocoonte era hijo de Capis y hermano de Anquises, padre del héroe troyano Eneas. Era sacerdote del templo de Poseidón en Troya. Después de que los griegos abandonasen la ciudad dejando un caballo de madera a sus puertas, Laocoonte advirtió a sus habitantes que no lo metiesen dentro del recinto con las famosas palabras que puso Virgilio en su boca: « Timeo danaos donna ferentes» (Temo a los griegos cuando hacen regalos). El sacerdote, furioso arrojó su lanza contra el caballo.
Sinón, un supuesto desertor griego que espiaba, les dijo a los troyanos que el caballo debía ser sacrificado en honor de Atenea. Si los troyanos decidían destruirlo, ofenderían a la diosa y harían caer la ciudad. Pero si lo introducían en el recinto amurallado, la diosa les protegería siempre. Por ello decidieron abrir un hueco en la muralla, dado el tamaño del regalo de los griegos.
Poco después de su advertencia, Laocoonte y sus hijos fueron estrangulados por dos enormes serpientes marinas que aparecieron en la playa y llevados ante el altar de Poseidón. Fue quizá el castigo por no confiar en los griegos y querer destruir el regalo. Al ver esto, los troyanos decidieron no tentar a la suerte. Las serpientes habían sido enviadas por Atenea para quitarse de en medio a Laocoonte y hacer más hincapié en las palabras de Sinón.
Una vez en Troya, Sinón dio la señal a la tropa griega encendiendo una lámpara. Los barcos no se habían marchado, sino que permanecían resguardados en la cercana isla de Tenedo, y así partieron a toda prisa hacia la indefensa Troya. Mientras tanto, los guerreros ocultos en el caballo salieron y mataron a los sorprendidos ciudadanos de Troya.
Según otra versión, la muerte de Laocoonte no tuvo que ver con el caballo de madera, sino que fue una venganza de Apolo, ya que su sacerdote, según esta historia, se había casado contra el deseo del dios. En cualquier caso, la desgracia de Laocoonte y sus hijos ha quedado reflejada en el grupo escultórico que puede verse en el Museo Vaticano de Roma.

CANCIÓN HISTORIA DEL ARTE - LAS BISTECS 

FUENTE DE INFORMACIÓN :https://mitosyrelatos.com/europa/mitologia-griega-romana/laocoonte/